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Profitant du double anniversaire de la naissance et de la disparition du compositeur Dietrich Buxtehude (1637-1707), aujourd’hui encore trop peu connu, l’Ensemble21 propose un concert original inspiré du thème de la rencontre. La rencontre de Johann Sebastian Bach (1685-1750), alors âgé de 20 ans, avec son aîné Dietrich Buxtehude à Lübeck en 1705, mais aussi celle entre passé et présent, avec la mise en relation de la musique de ces deux maîtres du baroque et celle d’Eliott Delafosse, jeune compositeur de la classe de composition du Conservatoire de Mons. À cette occasion, les musiciens de l’Ensemble21 jouent sur instruments baroques.

Convaincu de la nécessité de faire de la musique actuelle un art vivant et proche du public, l’Ensemble21 privilégie sa relation aux arts de l’espace et à la dimension poétique dans le choix de son répertoire.

C’est Folk songs, l’œuvre de Luciano Berio, qui réunit une première fois l’Ensemble21 en 1999, pour un concert au Musée d’Art spontané, chaleureusement salué par la critique musicale. Depuis, l’Ensemble21 n’a de cesse de se distinguer par la rigueur et l’enthousiasme de ses prestations et allie des qualités prétendument contradictoires : le souci du détail et la spontanéité.

Pour fêter ses 20 ans l’Ensemble21 propose aux compositeurs avec lesquels il a développé de réelles affinités d’écrire de nouveaux Folk Songs, inspirés par l’effectif de Berio : voix, flûte, clarinette, alto, violoncelle, harpe et percussions.

Mezzo-soprano – Albane Carrère

Direction musicale – Marc Collet

Imaginer l’INOUÏ c’est comme désorienter les points cardinaux pour dessiner des territoires inconnus. Car c’est en explorant ces nouveaux espaces à cartographier, que les compositeurs ont inventé des langages reposant sur une métamorphose de la facture instrumentale, l’évolution des modes de jeux et le bouleversement des syntaxes sonores.

L’Intonarumori est ce drôle d’ensemble d’instruments inventé en 1913 par Luigi Russolo pour interpréter sa musique futuriste. Auteur du manifeste L’art des bruits, il théorise l’utilisation du son-bruit dans la musique et imagine l’avènement d’une musique nouvelle qui trouvera son inspiration dans les nouveaux bruits produits par les machines inventées par l’homme. 115 années plus tard, Ars Musica revient sur cette démarche, qui marqua de son empreinte l’art sonore du XX^e siècle avec notamment des oeuvres (de Fabio Cifariello-Ciardi et Egidjia Medeksaite) qui reviennent sur ce dialogue entre machines et musiciens, entre utopie et révolution.

Issue d’une réflexion sur les entrelacs de Pollock, les mobiles aériens de Calder, les vertiges de Rothko ou les labyrinthes des tapis d’Anatolie pour le compositeur américain, d’une plongée dans la polyphonie des compositeurs franco-flamands ou du chant de l’Église orthodoxe pour le compositeur estonien, la musique « minimaliste » de Morton Feldman et d’Arvo Pärt nous immerge plus que toute autre dans un monde d’abîme et de silence.

Plongée dans les profondeurs de l’indicible,  « Musique du silence » nous apparaît comme un écho d’aube de l’humanité, de murmure des flots de la mer, de vent dans les cimes des arbres.

Le jeune compositeur belge Stefan Hejdrowski prolonge cet écho par une œuvre inédite, commandée pour l’occasion par l’Ensemble21.

Un programme original mettant en perspective l’œuvre emblématique du compositeur visionnaire Fausto Romitelli (1963-2004) et une création du jeune compositeur Christophe Guiraud (1974), commande de l’Ensemble21 et du Festival Ars Musica 2013.

Professor Bad Trip (1998-2000) de Romitelli est inspirée à la fois par les œuvres mescaliniennes d’Henri Michaux, les peintures de Francis Bacon et la BD de Gianluca Lerici. Cette musique « baroque contemporaine » est profondément marquée par la musique rock psychédélique des années 1970-1980, par la guitare de Jimmy Hendrix et par la musique techno.

Inscrite dans la lignée de l’œuvre de Romitelli, A Woman bathing in a stream (2013-2014) trouve elle aussi son point de départ dans la peinture de La jeune femme se baignant dans la rivière de Rembrandt. Cette pièce en forme de triptyque traduit le parcours du regard sur l’intimité de la matière picturale. Elle cherche à rendre palpables (haptomai revoie au toucher, à la sensation tactile) le geste du peintre, les coups du pinceau, à « redire » ce tableau en créant un espace sonore où « la forme surgirait elle aussi de gestes timbraux ».

Le programme est proposé avec projection d’un montage vidéo original du compositeur Christophe Guiraud mettant en scène les tableaux qui ont inspiré Romitelli.

En collaboration avec l’Espace Senghor et le Centre Henri Pousseur.

Le Stabat Mater est une œuvre de la maturité d’Arvo Pärt, émouvante par son dépouillement, écrite dans ce qu’il appelle lui-même son style « Tintinabulli » . Bien qu’à l’évidence influencée par son étude intensive de la musique médiévale, elle est écrite dans un langage solidement ancré à cette fin du XX^e siècle.
Modèle incontestable d’Arvo Pârt, le Stabat Mater de Josquin des Prés offre la particularité d’être construit sur la chanson de Gilles Binchois (1400-1460), Comme femme desconfortée, rapprochant de cette manière subtile la douleur de la Vierge de celle du commun des mortels.

Profondément ancrée dans la polyphonie de la Renaissance, la musique d’Arvo Pärt est directement reliée aux œuvres des compositeurs franco-flamands comme Machaut, Ockeghem, Obrecht et Josquin des Prés.
Le Stabat Mater (1985) de Pärt, une de ses œuvres les plus poignantes, illustre particulièrement cette caractéristique essentielle de son langage et trouve tout naturellement place à côté de celui de Josquin des Prés, compositeur le plus influent de son temps.